• AKIKO KONDO AKIKO KONDO

  日本とイタリアを拠点に活動。琳派を思わせる日本美術の要素と現代的な美意識が融合した作品は、静謐さと品格にあふれ、国内外のハイエンドホテルにも多数収蔵されている。
  
  Based in Japan and Italy, his works combine elements of Japanese art reminiscent of the Rinpa school with a modern aesthetic sense, and are filled with tranquility and elegance, and are housed in many high-end hotels both in Japan and abroad.

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• Nanami Azuma 東菜々美

  「刷毛の流れに沿って描く」「キャンバスの端から描く」など、あらかじめ設定したルールに沿って引かれる無数の線。限られた要素の中で、物質としての絵の具そのものが豊かな表情を生み出している。
  
  Countless lines are drawn according to pre-set rules, such as "painting along the flow of the brush stroke" or "painting from the edge of the canvas." Within these limited elements, the paint itself as a substance creates a rich range of expressions.

• ayaka nakamura ayaka nakamura

  「命の存在」をテーマに制作。即興的な線と多様な素材が重ねられた画面には、命の集積としての風景がもつ静かな力強さが宿る。その風景は鑑賞者の記憶と結びつき、その人にしか見えない景色を立ち上がらせる。
  
  His work is based on the theme of "the existence of life." His work, with its improvised lines and layered diverse materials, embodies the quiet strength of a landscape as an accumulation of life. The landscape connects with the viewer's memories, evoking a view that only that person can see.

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• Kohei Arano 新埜康平

  伝統的な日本画の技法に、タギング(文字)などのストリート表現を組み合わせ制作。HIPHOPのサンプリング文化や90s映画の影響を感じさせながらも、日本的な余白や物語が息づくイメージを描く。
  
  He combines traditional Japanese painting techniques with street expressions such as tagging (letters). His work is influenced by hip-hop sampling culture and 90s movies, yet it also depicts images that are full of Japanese space and stories.

• Kana Arimura 有村佳奈

  潔い筆致と鮮やかな色彩で描かれる、ウサギの仮面の乙女たち。作家は彼女らを通じて、匿名性と自己表現がせめぎあう現代の「リアル」を問い続けている。
  
  The rabbit-masked girls are depicted with clean brushstrokes and vibrant colors. Through them, the artist continues to question the "reality" of the modern world, where anonymity and self-expression collide.

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• antakanta アンタカンタ

  空想上の少女・マリアカンナが「思考が現実になる世界」を旅する姿を描く。自らの表現を「新クロワゾニスム」と称し、洞窟壁画や浮世絵から続く、輪郭線を主体とした絵画の文脈を再解釈している。
  
  The work depicts a fantasy girl, Maria Canna, traveling through a world where thoughts become reality. Calling his own style "New Cloisonnism," he reinterprets the context of painting, which is based on contour lines and continues from cave paintings and ukiyo-e prints.

• Ryu Ikeida 池伊田リュウ

  自身の共感覚をレーダーとして、山や水辺の風景にひそむ色彩の流動を描く。風景とは何か、美醜とは何か、神的なものは存在するのか。言語化できない思考の移ろいを重ねながら制作に向き合っている。
  
  Using his own synesthesia as a radar, he depicts the flow of colors hidden in mountain and waterside landscapes. What is a landscape? What is beauty and ugliness? Does the divine exist? He faces his creations while experiencing the shifting of thoughts that cannot be put into words.

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• Minako Ishikawa 石川美奈子

  幾千もの線を手作業で描き、美しく透き通るグラデーションを生み出す。代表的なシリーズ「Wavelengths」は、空気を満たす光を描くようなイメージから始まったといい、角度によって様々に姿を変えていく。
  
  He draws thousands of lines by hand to create beautiful, transparent gradations. His signature series, "Wavelengths," began with the image of painting light filling the air, and its appearance changes depending on the angle.

• itabamoe itabamoe

  アパレルデザイナー、イラストレーターを経てアーティスト活動を開始。ファッションデザイン画にルーツを持ち、抜け感の中に力強さを感じさせる線描で、現代を生きる女性像のマインドを捉えようとしている。
  
  After working as an apparel designer and illustrator, she began her career as an artist. With roots in fashion design, she strives to capture the mind of modern women through her line drawings that exude strength within a sense of freedom.

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• Emi Imazeki 今関絵美

  日常の一瞬を捉えるような風景は、誰もが心に抱く郷愁を映し出す。その背景には、心理学を学ぶ中で深められた自己探究がある。描かれる場面は時と空間を超えるような空気をまとい、見る者に静かな豊かさを届ける。
  
  His landscapes, which seem to capture a moment of everyday life, reflect the nostalgia we all harbor. Behind them lies the self-exploration he deepened through his studies in psychology. His painted scenes exude an atmosphere that transcends time and space, conveying a quiet richness to the viewer.

• Kazuki Umigishi 海岸和輝

  「線を描き、消す」という、絵画における根源的な行為に焦点を当て制作。デザイナー時代に培ったデジタル技術とアナログ技法を交差させ、線と色、経験の重なりをテーマにした「Overlap」シリーズを展開。
  
  His work focuses on the fundamental act of painting: drawing and erasing lines. Combining the digital and analog techniques he developed during his time as a designer, he has developed the "Overlap" series, which explores the overlapping of lines, colors, and experiences.

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• Ota Kiyoo オオタキヨオ

  建築を学び、金融業界への従事ののちアーティストへ。美術における構造美を追求し、3DCGを駆使した秩序的な作品を制作している。遠近法やモアレのメカニズムを取り入れた作品は、角度によって様々な姿を見せる。
  
  After studying architecture and working in the financial industry, he became an artist. He pursues structural beauty in art and creates orderly works using 3DCG. His works, which incorporate the mechanisms of perspective and moire, appear different depending on the angle.

• Kazuki Okamura 岡村一輝

  生物の幼生・幼体をモチーフに制作。柔らかくあやふやな輪郭が画面の中を漂い、どこか遠くの景色を浮かび上がらせる。それは成体へ向かう途中にある、いまだ曖昧な存在の「これから」を思わせる。
  
  His work is based on the motif of larvae and young organisms. Soft, vague contours float across the canvas, evoking a distant landscape. This evokes the "future" of an entity still in the process of becoming an adult, yet still unclear.

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• CHIKA OGATA 緒方ちか

  都市風景の中にある秩序に焦点を当て制作。並び立つ建造物やコンクリートは無機質でありながら、私たちとともに都市という生命体を構成する器官でもある。そこに息づく社会の躍動を、静かに描き出す。
  
  His work focuses on the order found in urban landscapes. The rows of buildings and concrete are inorganic, yet they are also organs that, together with us, make up the living organism that is the city. He quietly depicts the dynamics of society that live there.

• Takanao Kaneko カネコタカナオ

  ノイズや匿名性、断片化をテーマに、顔の見えないモンスターを描く。文字や記号の断片は、現代に氾濫する情報を象徴するよう。近年はアクリル板とコミックのコラージュを組み合わせた多層的な作品を展開している。
  
  He paints faceless monsters with themes of noise, anonymity, and fragmentation. The fragments of letters and symbols seem to symbolize the information overload we experience today. In recent years, he has been creating multi-layered works that combine acrylic panels with comic collages.

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• Kamihasami Kamihasami

  紙が持つ多様な質感と優しい陰影に魅せられ、紙を素材とした立体作品を数多く制作。近年はその柔らかい風合いを生かした水彩画を発表するなど、変化に富んだ作風で見る者を楽しませている。
  
  Fascinated by the diverse textures and gentle shadows of paper, he has created many three-dimensional works using paper as a material. In recent years, he has been delighting viewers with his varied style, including watercolor paintings that make use of the soft texture of paper.

• Yoko Kamoshita 鴨下容子

  緻密な描線で描かれた風景は、人体の一部のようでもあり、同時に自然現象そのものを思わせる。
一度崩したバランスを再構築して生まれる景色は、奥深い密度と広がりを併せ持ち、見る者を吸い込む引力を放つ。
  
  The landscapes, painted with precise lines, resemble parts of the human body, yet at the same time evoke natural phenomena themselves. The landscapes that are reborn after reconstructing the balance that was once lost possess profound density and expanse, emanating a gravitational force that draws the viewer in.

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• Natsumi Kawasaki 川﨑夏美

  絵具表面を削る「研ぎ出し」技法が生む、わずかな不協和。花壇や公園の池など、人の手で作られた「借り物の風景」を描く。Independent Tokyo 2024にて過去最多となる5名の審査員賞を受賞。
  
  A subtle dissonance is created by the "polishing" technique, which scrapes the paint surface. He paints "borrowed landscapes" created by human hands, such as flower beds and park ponds. He won five jury awards at Independent Tokyo 2024, the most ever.

• Arisa Kawabe 河邉ありさ

  「記憶」をテーマに、写真と刺繍を用いた作品を制作。古い家族の写真をモチーフとし、変わりゆく身体の儚さと、愛情のまなざしを拾い上げている。「Independent Tokyo 2025」グランプリ受賞。
  
  She creates works using photography and embroidery on the theme of "memory." Using old family photographs as a motif, she captures the transience of the ever-changing body and the gaze of love. She won the Grand Prix at "Independent Tokyo 2025."

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• Yuuki Kishi 岸勇樹

  建築の学びを背景に、ごく細い製図ペンを用いて、幻想的な世界を細密に描き出す。架空世界の叙事詩を描いているという作品群は、互いに連関しながら一つの大きな物語を形成している。
  
  With a background in architecture, he uses a very fine drafting pen to create meticulous depictions of fantastical worlds. These works, which depict an epic of a fictional world, are interconnected to form one large story.

• Tamaki Kitamura 北村環

  「ギミック(仕掛け)」をテーマに制作。カメラを通して作品を見ることで、手作業で描かれた不揃いなドット模様から、幻影のようにモチーフが浮かび上がる。
  
  The theme of his work is "gimmicks." When viewed through a camera, the motif emerges like an illusion from the irregular dot patterns drawn by hand.

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• Masanori Koike 小池正典

  万物それぞれに魂が宿っているという考えを軸に、陶の立体作品を制作。空の色や匂い、身近な景色にインスピレーションを受けた作品は、生き物のようでもあり、風景そのもののようでもある。
  
  He creates three-dimensional ceramic works based on the idea that all things have a soul. Inspired by the color and smell of the sky and familiar scenery, his works resemble both living creatures and the landscape itself.

• KOTOKO KOTOKO

  作家が目指すのは「見る人の脳を揺らす作品」。人間が持つまぬけさへの愛情、くだらなさの真摯な追求をモットーに、ナンセンスにあふれる世界をのびのびと描き出す。　
  
  The artist aims to create "works that shake the viewer's brain." With a love for the silliness of human beings and a sincere pursuit of absurdity as his motto, he freely depicts a world full of nonsense.

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• Yui Komatsumoto 小松本結

  層状の模様は、自動車工場で生まれた人工鉱物「デトロイトアゲート」に着想を得たもの。廃棄塗料が重なり美しい模様を形成したこの鉱物を「苦悩と再生」の象徴とし、美しさと自己肯定について問いかける。
  
  The layered pattern was inspired by Detroit Agate, an artificial mineral found in automobile factories. This mineral, which forms beautiful patterns by overlapping discarded paint, is a symbol of "suffering and rebirth," and raises questions about beauty and self-affirmation.

• Yosuke Komuro コムロ ヨウスケ

  「本質を追求した先は、単純なストラクチャーに行き着く」という仮説のもと、ミニマルな表現を探究する。規則的に並ぶ滴から像が浮かび上がる「Drops」は、ミクロとマクロの関係性や解釈の多様を表現した作品。
  
  Based on the hypothesis that "the pursuit of the essence leads to a simple structure," he explores minimalist expression. "Drops," in which images emerge from regularly-spaced droplets, is a work that expresses the relationship between the micro and the macro, as well as the diversity of interpretations.

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• Kimi Sakaki 榊貴美

  作家がモチーフとするのは、表情を隠したこどもたち。時には感情を受け止める器として、時には鑑賞者を映す鏡のような存在として、見る者の内面をそっと呼び起こす。
  
  The artist's motif is children with hidden expressions. Sometimes they act as vessels for receiving emotions, and sometimes as a mirror reflecting the viewer, gently evoking the inner self of the viewer.

• Shina Sato 佐藤しな

  もので溢れかえる空間と、そこに佇む少女を描く。消費され続ける商品や娯楽、世界に対する寂しさが一貫したテーマ。ごく緻密に描かれる大量の商品は、大人になる過程で忘れてしまった存在の象徴でもある。
  
  She depicts a space overflowing with things and a girl standing there. A consistent theme is the constant consumption of goods and entertainment, as well as loneliness towards the world. The large amount of goods, depicted with great detail, are also a symbol of the existence that we forget in the process of becoming an adult.

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• Tomohiro Shimizu 清水智裕

  淡く軽やかな色彩で描かれる情景は、物語の1シーンのよう。「魅力的な余白を作ること」を追求し、絵の具を乗せる・時には大きく拭き取ることで生まれる、緩急豊かな画面構成が魅力。
  
  The scenes depicted in light, pale colors are like a scene from a story. In pursuit of "creating attractive white space," he applies paint and sometimes wipes it away, resulting in a richly varied composition of the paintings.

• Mica Suga スガミカ

  遠い記憶や夢に現れる不条理をテーマに制作。可愛らしさと不穏さ、安定と不安定といった相反する要素を絵画に落とし込み、整合性の揺らぐ心象風景を描き出す。
  
  Her work is based on the theme of the absurdity that appears in distant memories and dreams. She incorporates opposing elements such as cuteness and uneasiness, stability and instability into her paintings, depicting mental landscapes with fluctuating coherence.

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• Suzuki Hyottoko 鈴木ひょっとこ

  日常の瞬間を切り取った浮世絵や、時間の移ろいを一枚の絵に表した絵巻に影響を受け、現代の生活と掛け合わせたユーモアあふれる絵画を制作。代表作は、浮世絵風の表現で家電製品を描いた「家電図」シリーズ。
  
  Influenced by ukiyo-e prints that capture moments from everyday life and picture scrolls that depict the passage of time in a single picture, he creates humorous paintings that combine modern life. His representative work is the "Drawings of Home Appliances" series, which depicts home appliances in an ukiyo-e style.

• Natsuyo Takahashi 高橋夏代

  「集」という概念をテーマに、文字の集合体をモチーフとしたシルクスクリーン作品を制作。手作業によるプリントの揺らぎは、集団の中に埋もれながらも決して収束することのない「個」の存在を浮かび上がらせる。
  
  Taking the concept of "collection" as a theme, he creates silkscreen works with a motif of a collection of letters. The fluctuation of the hand-printed work highlights the existence of the "individual" that is buried in the group but never converges.

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• Takeuchi Mika 竹内みか

  動物型遊具「メロディペット」をモチーフに制作。古びた手触りを感じるような繊細な描写は、もはや希少な存在となった彼らの可愛らしさだけでなく、退廃と消費、豊かさへの問いを投げかけている。
  
  The motif of this work is the animal-shaped plaything "Melody Pet." The delicate depiction, which gives off a sense of old texture, not only captures the cuteness of these animals, which are now rare, but also raises questions about decadence, consumption, and wealth.

• TARTAROS TARTAROS

  本物の紙幣を刻んだコラージュ作品が代表作。複製性・大衆性の象徴である紙幣と浮世絵を重ね合わせ、長く受け継がれてきた和の美意識のエネルギーを、新たな表現へと昇華させている。
  
  His signature work is a collage made from real banknotes. By combining banknotes, a symbol of reproducibility and popularity, with ukiyo-e prints, he sublimates the energy of traditional Japanese aesthetics, which has been passed down for a long time, into a new form of expression.

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• ChiHaru ChiHaru

  日常にありふれ、簡単に捨てられてしまう段ボール。すぐに忘れてしまうような日常の風景を段ボールに重ね、記録するように制作している。「ディファレント京町堀アートフェア2024」 にて徳光健治賞を受賞。
  
  Cardboard is a commonplace material in our daily lives that is easily thrown away. I create works by layering everyday scenes that we would soon forget onto cardboard, as if recording them. I won the Tokumitsu Kenji Award at the "Different Kyomachibori Art Fair 2024."

• TSUKINO KAERU 月乃カエル

  透明樹脂を中心とする様々な素材で構成されたミクストメディア作品を制作。色とりどりの作品はまるで記憶のおもちゃ箱のように、鑑賞者それぞれの深層意識に沈む記憶を呼び起こす。
  
  He creates mixed media works using a variety of materials, primarily transparent resin. His colorful works are like a toy box of memories, evoking memories that lie deep in the consciousness of each viewer.

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• Mayumi Tsuzuki 都築まゆ美

  主に油彩作品と、リソグラフ(デジタル孔版印刷)による作品を制作。「すべての物事は相反する二面性を持つ」という考えのもと、明るさと暗さ、可愛らしさと怖さ、日常と狂気といった二面性の共存を探究する。
  
  He mainly creates oil paintings and works using risograph (digital stencil printing). Based on the idea that "everything has two opposing sides," he explores the coexistence of dualities such as light and darkness, cuteness and fear, and everyday life and madness.

• Ryo Teshima 手島領

  戦う赤ちゃん戦士「BABYBOY」シリーズを制作。怒りと悲しみ、希望を込めた力強いネオンカラーで、不安定な時代に立ち向かい生きる彼らの姿を描く。
  
  He created the "BABYBOY" series, depicting fighting baby warriors. Using powerful neon colors that convey anger, sadness, and hope, he depicts these warriors facing life in uncertain times.

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• Takatomo Tomita 富田貴智

  作家が一貫してテーマとするのは、人と人が「共通点」と「違い」を尊重しあうこと。
個性あふれるキャラクターたちが、すべての創造性を肯定する共通言語となることを目指し、制作を続けている。
  
  The artist's consistent theme is people respecting their differences and commonalities. He continues to create works with the aim of creating a common language that affirms all creativity through his unique characters.

• Megumi Toyosawa 豊澤めぐみ

  自尊心と自己愛をテーマに、二人の少女を描く。「夢の中でだけ出会える友達」であるという彼女たちは、人の持つ二面性の象徴であり、自らの対照的な側面を受け入れることへの願いが込められている。
  
  The film explores themes of self-esteem and self-love and depicts two girls who are "friends you only meet in your dreams," symbolizing the duality of human nature and the desire to embrace one's own contrasting sides.

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• nakakaze shinji 中風森滋

  現実にあふれる情報、雑多に絡まる思考。作家は弱々しい「キャラクターの落書き」を通してそれらを解きほぐし、キャンバスに解放させることで、リアリティの本質をたぐり寄せることを試みている。
  
  The artist attempts to unravel the information overflowing in reality and the jumble of thoughts that tangles together through feeble "character doodles" and release them onto the canvas, thereby drawing out the essence of reality.

• Sonoko Nukaga 額賀苑子

  陶・テラコッタを主な素材として制作。鑑賞角度による歪みやズレを作品に取り入れることで、彫刻という実在感の強いメディアにおける曖昧さ、つかみきれなさを探究している。
  
  Using ceramic and terracotta as his primary materials, he explores the ambiguity and elusiveness of sculpture, a medium with a strong sense of reality, by incorporating distortions and misalignments that occur depending on the viewing angle.

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• Yosuke Hasegawa 長谷川洋介

  世界各国の紙幣を素材に、立体的なコラージュ作品や「お札おりがみ」シリーズを制作。「紙幣」というただの紙への奇妙な信仰や、歪んだ経済至上主義へのアイロニーを交えながら、その価値を問い続けている。
  
  Using banknotes from around the world as material, he creates three-dimensional collages and the "Banknote Origami" series. He continues to question their value, expressing a strange belief in the mere paper of "banknotes" and irony towards distorted economic supremacy.

• Aoi Hattori 服部葵

  日本を形作る歴史や伝統、社会的な問題を起点に油彩作品を制作。過去と現代、日本美術と西洋美術といった隔たりのある要素を調和させながら、「日本」という存在の多層性を、高い描写力でユーモラスに描く。
  
  He creates oil paintings that take as their starting point the history, traditions, and social issues that shape Japan. He harmonizes disparate elements such as the past and the present, and Japanese art and Western art, and uses his highly descriptive power to humorously portray the multi-layered nature of the existence of "Japan."

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• Kyoko Hayashi 林恭子

  ブーケをモチーフに、花の色や香り・形のリズムを、日記を綴るように丁寧に、軽やかに描く。
偶然生まれる滲みと、日本画材がもつざらついた温かさが、花を飾るときの瑞々しい感覚を呼び起こす。
  
  Using bouquets as her motif, she paints the rhythm of the colors, scents, and shapes of flowers with care and ease, as if writing a diary. The accidental blurring and the rough warmth of Japanese painting materials evoke the fresh sensation of arranging flowers.

• HARUNA SHIKATA HARUNA SHIKATA

  「Overwrite」をコンセプトに、デジタル・アナログ技法を組み合わせ制作。負のトリガーにも成り得る感情や情報の蓄積に「上書き」を施し、それらにリスペクトを持って向き合うことをテーマにしている。
  
  Based on the concept of "Overwrite," he combines digital and analog techniques to create works that "overwrite" the accumulated emotions and information that can become negative triggers, and approach them with respect.

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• Kooichi Hyooogo ヒョーゴコーイチ

  「再生」をコンセプトに、炭焼きの技法を用いた作品を制作。磨き上げられた炭は素材特有の輝きをまとい、さまざまにうごめくエネルギーを感じさせる。
  
  Based on the concept of "regeneration," he creates works using charcoal-making techniques. The polished charcoal takes on a unique shine that evokes a variety of energies.

• Yuta Fukazawa 深澤雄太

  何でもないような風景が、時にドラマチックに心に映る。作家は、二度と再現できないその感覚を捉えようとする。透けるように優しく、あるいは削るように荒々しく描かれる一瞬が、私たちに不思議な郷愁を呼び起こす。
  
  An ordinary landscape can sometimes appear dramatic in the mind. The artist seeks to capture that sensation, which can never be reproduced. A moment depicted with either a translucent gentleness or a rough, carved look evokes a mysterious sense of nostalgia in us.

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• Hiromasa Maeda 前田博雅

  都市をモチーフに映像・写真作品を制作。ガラスに映り込む風景を捉えた「City Portrait」シリーズでは、存在と非存在の境界が揺らぐ「アンリアルなリアル」の中に、世界のおぼつかなさが浮かび上がる。
  
  He creates video and photographic works with cities as a motif. In his "City Portrait" series, which captures landscapes reflected on glass, the uncertainty of the world emerges in an "unreal reality" where the boundaries between existence and non-existence fluctuate.

• Matthew Mallow マシューマロー

  繰り返し描かれるのは、「どんな日も“最高”と思えるように=Greatest of All Time(G.O.A.T)」というメッセージを込めたヤギのキャラクター。作品はクラシックカートゥーンのブラックユーモアを受け継ぎながら、どこか小さな希望がちりばめられている。
  
  A recurring theme is the goat character, which conveys the message "Make every day the best it can be = Greatest of All Time (G.O.A.T.)." The work inherits the dark humor of classic cartoons, while also sprinkling in small hints of hope.

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• Keisuke Masuda 増田恵助

  作家が一貫して取り組むのは肖像画。合成写真や、衣服を着せたトルソーをモデルとした「架空の肖像」は、どこか中性的で清らかな佇まいをもつ。もはや写真の代替ではなくなった、現代のポートレートのあり方を探る。
  
  The artist has consistently worked on portraits. His "fictional portraits," made up of composite photographs and clothed torsos, have a certain androgynous and pure presence. He explores the state of contemporary portraiture, which is no longer a substitute for photography.

• Yosuke Mizuno 水野遥介

  人物、および人物を含む空間を手がかりに制作。あらゆる周囲と交わり合い、環境の中で初めて成立するひとの存在の曖昧さを、現実の断片をコラージュするようにして浮かび上がらせている。
  
  Using people and the spaces they inhabit as a starting point, the artist creates works that bring to light the ambiguity of human existence, which only comes into being within the environment in which it interacts with its surroundings, as if collaging fragments of reality.

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• Shinji Mitsuzuka 三塚新司

  バナナの皮を模した立体作品などで知られる。日本画をトレースし絵の具で覆い隠す「THE BOOK OF TEA」は、社会と共に変容してきた、そしてこの先も変わり続ける「人の美意識」の予感を描くシリーズ。
  
  He is known for his three-dimensional works that resemble banana peels. "THE BOOK OF TEA," a series in which he traces Japanese paintings and covers them with paint, is a depiction of the "human aesthetic sense" that has changed along with society and will continue to change in the future.

• Kota Miyazaki 宮崎浩太

  一度完成した作品の上に、筆を大きくストロークさせる手法。そうしておぼろげになる形は、時間の経過や躍動を思わせ、見慣れたモチーフに新鮮な視点を与えてくれる。
  
  He applies large brush strokes over a completed work, creating a vague shape that evokes the passage of time and movement, providing a fresh perspective on familiar motifs.

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• MON MON

  剥製をモチーフに制作。動物から剥製へ、剥製から絵画へ、そして鑑賞者の記憶へ。人の手を介することでイメージが徐々に歪み、原型からかけ離れていく様を描いている。
  
  This work is based on the motif of stuffed animals. From animals to stuffed animals, from stuffed animals to paintings, and then to the viewer's memories. It depicts how the image gradually distorts through human hands, becoming far removed from its original form.